Hans Werner Henzes szenisches Oratorium „Das Floß der Medusa“ (1967/68), komponiert auf ein Libretto von Ernst Schnabel, hat sich mehr als ein halbes Jahrhundert nach den Ereignissen um die geplatzte Hamburger Uraufführung von 1968 zu einem herausfordernden Repertoirestück entwickelt, vor dessen Realisierung auch Opernhäuser nicht mehr halt machen. Dies mag an der brennenden Aktualität des Sujets und dem ihm zugrundeliegenden Schiffbruch von 1816 liegen, der in Théodore Géricaults bekanntem Gemälde „La Radeau de La Méduse“ (1819) eine gleichsam ikonische Ausformulierung erfuhr – geht es doch um die Frage nach der Menschlichkeit angesichts eines bewusst in Kauf genommenen Schiffbruchs unterprivilegierter Menschen auf hoher See, das Nachzeichnen der Konsequenzen eines Verlusts moralischer Werte im Angesicht des Todes und nicht zuletzt auch die Frage nach der Verantwortung einer Gesellschaft, die ein solches Ereignis achselzuckend hinnimmt.
Assoziationen zum skandalösen Dauerzustand der nach wie vor aktuellen Flüchtlingskatastrophen im Mittelmeer stellen sich also unwillkürlich ein, auch wenn Regisseur Tobias Kratzer im Vorfeld in einem Gespräch hervorhob, das Stück handele viel allgemeiner „von Ressourcenknappheit“, die „einerseits das Klassenproblem und anderseits die Verknappung von bewohnbarem Lebensraum umfasst“.
Spektaktakuläre Realisierung
Nimmt man dies wörtlich, so steht die spektakuläre Realisierung in Hangar 1 des ehemaligen Flughafens Tempelhof quer zum kritischen Potenzial des Stückes, denn sie ist geprägt von einem wahrhaft verschwenderischen und mithin auch etwas fragwürdigen Umgang mit natürlichen Ressourcen: Im Zentrum steht ein monumentales rechteckiges Wasserbecken, dessen Längsseiten von den beiden Publikumstribünen flankiert sind, während das Orchester an der Kopfseite gegenüber dem riesigen Hangartor platziert ist. Die aufwändige Konstruktion von Wasserbühne und Auditorium wurde im Vorfeld der Aufführung nicht nur im Internet dokumentiert, sondern auch sehr geschickt zu Werbezwecken eingesetzt, was sich insofern ausgezahlt hat, als die fünf ursprünglich anberaumten Aufführungen des Werkes aufgrund der hohen Nachfrage um einen sechsten Termin ergänzt wurden.
Von Anfang an stellt sich jedoch die Frage, ob dies dem Stück tatsächlich dienlich ist, da der mit dem Setting gegebene Zwang zu quasi-filmischer Action die inhaltliche Brisanz des Oratoriums zu überschatten droht. Zwar bietet die Inszenierung viele einleuchtende Momente, doch wird gerade die Situation des Gefangenseins auf engstem Raum zum Problem, da die Regie das gedrängte Beisammensein der Schiffbrüchigen auf dem Floß immer wieder aufbricht, um die bedrückende Statik zu vermeiden und den Ereignissen mehr Bewegung zu verleihen.
Dieser Einwand ändert nichts daran, dass die visuelle Seite der Aufführung einen bleibenden Eindruck hinterlässt, denn die Bewegungen der riesigen Menschenmasse und ihrer einzelnen Glieder – gebildet aus Chorsolisten, Bewegungschor und Kinderkomparserie der Komischen Oper, dem Vocalconsort Berlin und dem Staats- und Domchor Berlin – sind perfekt choreografiert und aufeinander abgestimmt. Den außerordentlich gut präparierten und auf höchstem Niveau agierenden Chorist:innen – darunter auch die ganz hervorragenden, im Programmheft leider nicht namentlich ausgewiesenen Knabensolisten – steht das aufeinander bezogene Handeln der beiden großen Hauptpartien gegenüber: Da ist einmal der Matrose Jean-Charles, der als Identifikationsfigur für das Publikum dient, in der Rolle des tatkräftigen Idealisten die Schiffbrüchigen zum Überlebenskampf anstachelt und den Verfall der Moral zu bekämpfen sucht. Bariton Günter Papendell gestaltet diesen anspruchsvollen Part ganz aus den Erfordernissen dramatischer oder reflexiver Situationen heraus und verleiht ihm durch vielseitigen Umgang mit den von Henze geforderten Stimmtechniken ein emotionales, durchweg kraftvolles Profil. Da ist aber auch Jean-Charles’ Gegenspielerin La Mort, die den Tod als sirenenhafte Verführerin verkörpert, immer danach trachtend, die Schiffbrüchigen zur Selbstaufgabe zu bewegen und sie zum Übertritt auf ihre Seite zu bewegen. Sopranistin Gloria Rehm sorgt mit geschmeidiger Stimme für eine atmosphärische und atemberaubende Umsetzung dieser aufgrund ihres Stimmumfangs extrem schwierigen Partie. Dabei werden all jene Momente, in denen die entgegengesetzten Interessen beider Protagonisten aufeinanderprallen und sich zum musikalisch ausgetragenen Kampf zwischen Lebenskampf und Todeswunsch hochschaukeln, zu Höhepunkten des Abends.
