Denn schon seit seinen Anfängen hat Henze immer wieder Vokalmusik komponiert (unter anderem 1948 die „Whispers“, 1956 die „Fünf Neapolitanischen Lieder“), und bis heute hat er kontinuierlich daran festgehalten. In Henzes Entwicklung kann man, wenn auch nicht immer eindeutig, einen oppositionellen Zug beobachten. Richtete sich sein Beginn als atonaler und dodekaphonischer Affront noch gegen Tradition, so ließen ihn seine in der Folge immer deutlicher werdenden Traditions-Filtrate in der seriellen Hoch-Phase zum Renegaten werden, zumal er den Prinzipien einer gleichsam angewandten Musik (für Oper, Ballett, Film und Kantate) treu blieb. Henzes Wendung zum sozialistischen Engagement seit 1967 führte zur Abkehr vom erfolgsträchtigen Wohllaut.
Henze griff die Techniken der Avantgarde wieder auf, und sein Komponieren gewann an Aggressivität und Verbindlichkeit. Zugleich aber wandte er sich mehr und mehr vom Immanenz-Anspruch der Avantgarde ab. Henzes Streben nach einer politisch aktivierenden Musik ging in eins – und darin unterscheidet er sich grundsätzlich von der Entwicklung Hanns Eislers – mit progressiverer Materialbehandlung. Im selben Maße hat er aber auch die stilistische Hermetik früherer Jahre aufgegeben. Henzes Kompositionen seit 1968 zeichnen sich durch zunehmende Vielgestaltigkeit der eingesetzten kompositorischen Mittel und Techniken aus. Darin freilich dokumentiert sich der Einfluß Eislers: musikalische Material-Verarbeitung nicht als Selbstzweck im Sinne autonomer Kunst, sondern als Funktion politischer Zielsetzungen. Henzes Musik ist nicht mehr so exquisit farbig wie früher; wohl aber hat sie an Buntheit und gestischer Vielfalt der Erscheinungsformen gewonnen, Damit hebt sie sich auch ab von dem nach wie vor ungemein homogen anmutenden Personalstil Luigi Nonos.
Frappierend an den „Voices“ ist die dialektisch-changierende Synthese von zyklischer Einheitlichkeit der Anlage und der Variabilität der kompositorischen Stilmittel, von artistischem Raffinement und politischem Appell. Der Zyklus besteht aus zweiundzwanzig Liedern für Tenor und Mezzo-Sopran (sogar einige Duette sind darunter) und ein in stets neuen Kombinationen verwendetes Kammerorchester. Der ästhetische und aufführungstechnische Anspruch des Werkes ist hoch. Doch hat Henze die Lieder auch ausdrücklich für Einzelaufführungen bestimmt, und sogar Veränderungen (sprich Vereinfachungen) des Instrumentariums hat er nicht ausgeschlossen. Auch hier zielt Henze bewußt auf Ambivalenz: der zyklisch-artifizielle Werk-Charakter bleibt insgesamt gewahrt – aber auch die Verwendbarkeit einzelner Stücke für eine durchaus antihermetische politische Praxis ist mit einkalkuliert.
Die Texte erscheinen in vier Sprachen. Es handelt sich um Gedichte der italienischen Resistenza, der kubanischen Revolution, der farbigen amerikanischen Oppositionellen und der deutschen politischen Lyrik, die historisch besonders weit gefächert wirkt: Heine, Brecht. Erich Fried und Hans Magnus Enzensberger. Die Assoziation an Mahlers „Lied von der Erde“ stellt sich nicht von ungefähr ein und bezieht sich auch nicht nur auf die immanent kompositorische Sphäre. Denn der Großteil der Texte gilt den Unterdrückten und Opfern, den „Verdammten dieser Erde“ Frantz Fanons, auf den sich Henze bei seiner Wendung zur Politik berufen hat.
